jueves, 27 de septiembre de 2018

Cómo los visionarios arquitectos de Japón predijeron (y construyeron) las ciudades del futuro

Liza Foreman
BBC designed

Desde ciudades en el aire hasta pueblos flotantes en la Bahía de Tokio.

Un grupo de avanzados arquitectos japoneses, homenajeados recientemente en la exposición "Japan-Ness" en el museo Pompidou de Metz, Francia, mostraron la manera creativa en que los mejores arquitectos del país se acercaron al "urbanismo en expansión" en Japón después de 1945.

El arquitecto Kenzo Tange impulsó el movimiento conocido como Metabolismo, que duró una década e incorporó tecnologías innovadoras y el uso de unidades modulares en la arquitectura. Diseñó la propuesta Plan para Tokio de 1960 durante un período de gran desarrollo urbano en Japón.

El proyecto fue diseñado para acomodar la expansión de la ciudad a través de una arquitectura que conectara la bahía de Tokio. Esto llevó a una nueva forma de abordar el diseño urbano. Tange concibió el trazado de un gran eje que cruzaría la bahía y haría posible la existencia de plataformas para edificios creativamente diseñados.

En 1966, Tange fue más allá en el desarrollo de sus ideas urbanas y diseñó el Centro de Prensa y Radiodifusión Yamanashi en Kofu.

Creado por tres empresas mediáticas diferentes, el edificio albergaba una planta de impresión de periódicos, una emisora de radio y un estudio de televisión.

Para aprovechar el espacio al máximo, Tange agrupó las funciones similares de cada sector y colocó la maquinaria de impresión de periódicos en la planta baja, los estudios en las plantas superiores y las oficinas en pisos con paredes de vidrio rodeadas de balcones. Se dejó espacio en el edificio para futuras expansiones, pero ahora se usa para jardines y terrazas.

El proyecto Marine City de 1958, del visionario arquitecto Kiyonori Kikutake, fue una de las primeras grandes ideas del Metabolismo y fomentó el concepto de una ciudad flotante en el océano.

La estructura sería autosustentable, flexible, limpia, a prueba de terremotos y resistente a las inundaciones. Además, estaría ubicada lejos de la vida urbana de la isla y haría uso de grandes anillos de acero con torres magnéticas para mantener las bases circulares en su sitio. Idealmente, las bases flotarían al estilo de una botella y crearían una rica industria de agricultura acuática.

El concepto de vida alternativa de Kikutake fue radical en su tiempo, pero fue una de las primeras ideas para abordar temas de sostenibilidad y trabajo en módulos.

Otro proyecto que ayudó a los arquitectos japoneses a crear un escaparate para la innovación en su disciplina fue el Joint System Core (conocido también como Ciudad en el Aire) que fue desarrollado en 1960 por Arata Isozaki.

Su plan incluyó una ciudad en múltiples niveles con autopistas y edificios de aparcamientos tejidos entre complejos de oficinas y apartamentos. En los bocetos originales, esas estructuras parecen árboles que crecen uno junto al otro.

Las ramas funcionan como pasadizos a unidades de vivienda, mientras que los troncos actúan como grandes pilares. Este proyecto a veces se conoce como "Racimos en el aire" ya que los árboles desarrollan y crean una estructura similar a un bosque.

La carrera por conseguir más espacio

El arquitecto Kisho Kurokawa era un líder del Metabolismo en los años 60 y su primera estructura metabólica, Helix City, fue impulsada por la creciente falta de espacio en Japón.

La idea era construir una estructura que funcionara de forma más eficiente y sensata. Construida con un diseño consistente hecho de una serie de estructuras vinculadas en espiral, Helix City se apoya en torres de servicio que están conectadas por una infraestructura de puentes sobre tierra y mar.

Edificios residenciales llenan los huecos entre las torres, creando un patrón que hipotéticamente podría continuar sin fin. El diseño fue inspirado por el descubrimiento del ADN en 1953, un punto de inflexión significativo en el estudio de los seres vivos.

El diseño de Kurokawa de la Ciudad Agrícola empezó después de que el arquitecto sobreviviera al tifón de la bahía de Ise en 1959.

Este proyecto se creó para evitar que un hábitat fuera inundado y consistía en una estructura al estilo de una red de bloques de cemento, alzados sobre soportes en tierra agrícola para sincronizar el paisaje rural con las áreas residenciales. La red daría apoyo a carreteras, servicios de agua, electricidad, monorraíles y estructuras como escuelas y edificios de oficinas de gobierno.

La vivienda se diseñaría en forma de champiñón, de una a tres plantas, con un marco de madera y un techo de aluminio. Aunque las unidades para vivir estarían separadas, la vinculación entre ellas daría lugar a un pueblo.

La red completa ofrecería suficiente espacio para unas 200 personas y el sistema de agua se establecería debajo del complejo.

Entre 1970 y 1972, Kurokawa y su equipo diseñarían la Torre Cápsula Nakagin en Ginza, Tokio. Este fue el primer diseño arquitectónico de cápsula de la historia, creado con el objetivo de albergar a personas de negocios que se quedan en la ciudad entre semana.

El edificio representó un prototipo de arquitectura que se centró en la sostenibilidad y la posibilidad de ser reciclado. Cada uno de los 140 módulos podía ser anexado al punto central o reemplazado e intercambiado cuando fuera necesario.

Esta flexibilidad ofreció opciones prácticas de vivienda para las relativamente cortas estancias de estos visitantes. Con hasta 14 pisos de altura, el edificio fue una iniciativa del movimiento Metabolismo para ofrecer diseños adaptables e intercambiables en las ciudades.

También basado en los principios metabólicos estaba el proyecto de Kurokawa Resort Centre Yamagata Hawai de 1966. El arquitecto diseñó este edificio con la intención de crear un lugar sin un centro, para representar fluidez y movimiento.

El Resort Centre Yamagata Hawaii Dreamland apelaba a personas que empezaban a viajar en la posguerra en Japón al infundir placer y descanso. La estructura era muy metabólica, y su arquitectura podía crecer y cambiar según fuera necesario para transformar su forma a lo largo de los años.

El edificio fue demolido alrededor de 1975 y en su lugar se construyeron torres residenciales.

Las ideas del arquitecto Masato Otaka, mientras tanto, no obtuvieron tanto reconocimiento internacional como algunas de las de sus colegas, pero sus diseños se basaron en elementos claves del Metabolismo.

Desde 1962, el desarrollo de viviendas de Otaka, Sakaide Artificial Ground, se basó en métodos de construcción con cemento para crear un nuevo tipo de urbanismo en un proyecto de viviendas en la isla Shikoku. Otaka diseñó un plano de terreno artificial ligeramente elevado para facilitar que los edificios interactuaran de forma más flexible.

Este diseño tardó unos 20 años en desarrollarse, solapándose con la realización de la Ley de Redesarrollo Urbano de 1969.

La Estructura Golgi del arquitecto Fumihiko Maki recibió su nombre del ganador del premio Nobel Camillo Golgi, un científico que encontró la manera de visualizar los cuerpos de células nerviosas. La estructura de Maki combina un área urbana densa con espacios abiertos sin estructura para crear un efecto de alternancia.

Los espacios abiertos en la estructura están contenidos por células que absorben la luz que permiten la comunicación y distribución de energía. Este aspecto del proyecto era clave para Maki, que enfatizó la idea de la forma colectiva a través de tres tipos específicos: de composición, de estructura y de secuencia.

La Estructura Golgi contribuyó a este concepto a través del uso de espacios abiertos, ofreciendo movilidad para los residentes y dándoles una oportunidad para interactuar entre ellos en un entorno social. Era un diseño metabólico por excelencia.

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-45276845

miércoles, 7 de marzo de 2018

Balkrishna Doshi gana el premio Pritzker, considerado el Nobel de arquitectura, por su trabajo pionero en viviendas de bajo costo

Redacción
BBC Mundo
Balkrishna Doshi es el primer arquitecto de India en recibir el Pritzker,
considerado como el Nobel o más alto honor de la arquitectura.
Balkrishna Doshi se convirtió este miércoles en el primer arquitecto de India en ganar el prestigioso premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura.

La condecoración reconoce el trabajo pionero de Doshi en viviendas de bajo costo, según anunció la Fundación Hyatt, patrocinadora de la distinción.

Doshi, de 90 años, estudió en Bombay y luego vivió a París en la década de 1950, época en la que trabajó con el famoso arquitecto franco-suizo Le Corbusier.
Más de 80.000 personas de ingresos medianos y bajos viven en Aranya,
un complejo de viviendas de bajo costo que Doshi diseñó.
Foto: Cortesía de VSF/Premio Pritzker de Arquitectura.
El arquitecto diseñó Aranya, un complejo de viviendas de bajo costo, en Indore, en 1989, en el centro oeste de India.

Más de 80.000 personas de ingresos medianos y bajos viven ahí, en más de 6.500 inmuebles que varían desde apartamentos de una habitación a casas amplias, según la página web del Premio Pritzker.
Según la página web del premio Pritzker, la arquitectura
de Doshi es poética y funcional al mismo tiempo.
Foto: Cortesía de VSF/Premio Pritzker de Arquitectura.
"Su enfoque ético y personal de la arquitectura ha tocado vidas de todas las clases socioeconómicas desde la década de 1950", señalan los responsables del Premio Pritzker.

La Fundación Hyatt destaca que la arquitectura de Doshi "respeta la cultura oriental al tiempo que mejora la calidad de vida en la India" y la describe como "poética y funcional".
Image captionBoceto del complejo de casas Aranya.
Foto: Cortesía de VSF/Premio Pritzker de Arquitectura.
Algunas obras destacadas de Balkrishna Doshi
  • Instituto Indio de Administración (Bangalore, sur de India, 1977-1992)
  • Estudio de arquitectura Sangath (Ahmedabad, 1980)
  • Centro de Planeamiento y Tecnología Ambiental (Ahmedabad, noroeste de India, 1966-2012)
  • Salón Memorial Tagore (Ahmedabad, noroeste de India, 1967)
  • Complejo de casas Vidhyadhar Nagar Masterplan (Jaipur, norte de India, 1984)
  • Corporación de casas Bima Nagar (Ahmedabad, noroeste de India, 1973)
  • Casa Kamala (Ahmedabad, noroeste de India, 1963)
El estudio de Doshi se llama Sangath, nombre que se traduce como "moviéndonos juntos".
Foto: Cortesía de VSF/Premio Pritzker de Arquitectura.
Luego de enterarse de que había ganado el premio, el arquitecto indio dijo que se lo debía a su "gurú", Le Corbusier.

"Sus enseñanzas me (...) obligaron a descubrir una nueva expresión contemporánea adoptada regionalmente para (crear) un hábitat holístico sostenible", aseguró.

El arquitecto recibirá en el Pritzker en una ceremonia en mayo en Toronto, Canadá.

sábado, 3 de marzo de 2018

Alvar AAlto

Hugo Alvar Henrik Aalto fue un arquitecto finlandés (Kuortane, 1898 - Helsinki, 1976).

Cursó estudios en la Escuela Politécnica de Helsinki, formación que completó viajes por el extranjero. Durante la década de 1920 estuvo influido por el gran maestro del funcionalismo, Le Corbusier, y él mismo fue un pionero de este movimiento en Finlandia.

La arquitectura de Aalto se caracteriza por sus formas orgánicas, curvas, con giros, con organización radial y leves desplazamientos. Prefirió los materiales puros como ladrillo y madera, aunque usó también los acabados lisos para reforzar las formas. Aprovechó lo mas posible las vistas tanto del entorno como las que se creaban en el interior de la edificación.

Obras:

Finlandia:
  • Imprenta de un periódico en Turku (1927-1930)
  • Biblioteca Viipuri (1927-1935)
  • Sanatorio de Paimio (1933)
  • Biblioteca municipal de Viborg (1935)
  • Pabellones finlandeses para las exposiciones internacionales de París (1937) y Nueva York (1939)
  • Villa Mairea de Norrmark (1939)
  • Complejo residencial e industrial de Sunila en Kotka (1936-1939)
  • Proyecto urbanístico de Rovaniemi (1945)
  • Ayuntamiento de Säynätsalo (1952)
  • Colegio de Pedagogía de Jyväskylä (1953-68)
  • Iglesias de Imatra (1958)
  • Iglesia de Seinäjoky (1958)
  • Centro Cultural (1955-58), en Helsinki
  • Instituto de Tecnología de Onäs (1960-64),en Helsinki
  • Palacio del Libro (1969), en Helsinki
  • Auditorio y sede de congresos de Finlandia (1970-71), Helsinki
Estados Unidos:
  • Residencia de estudiantes del MIT (1949), en Cambridge Massachusets
Europa:
  • Museo de Århus (1958-1972), en Dinamarca
  • Torre de Viviendas en Hansaviertel (1957), en Berlín
  • Torre de Viviendas Neue Vahr (1958-62)  en Bremen Alemania
  • Centro Cultural de Wolfsburg (1959-62), en Alemania
  • Torre de viviendas  Schönbühl  (1965-1968), en Lucerna Suiza
Asia:
  • Museo de Arte de Bagdad (1958), en Irak [Proyecto]

Fuentes

Videos

Alvar Aalto, 1898-1976. Arquitectura orgánica, arte y diseño
https://www.youtube.com/watch?v=SdtFU7rHFdY
El Ayuntamiento de Säynätsalo, Aalto - Arquitecturas (2003)
https://www.youtube.com/watch?v=COVKUDaNyv0
Análisis de la Casa Estudio
Muuratsalo Experimental Summer House by Alvar Aalto

viernes, 1 de diciembre de 2017

El secreto del éxito de la Bauhaus, la escuela perseguida por los nazis en Alemania que revolucionó la arquitectura y el diseño

William Cook


Edificio de la Ciudad Blanca en Tel AvivDerechos de autor de la imagenIAISI/GETTY
Image captionLa Ciudad Blanca en Tel Aviv, una collección de más de 4.000 edificios es ejemplo de la influencia del estilo de la escuela Bauhaus en el mundo.

Aquí en Berlín el Archivo Bauhaus, el museo dedicado a la icónica escuela de diseño y arquitectura, celebra una fiesta de despedida.
El 8 de enero de 2018 el museo cerrará por renovaciones y hasta entonces presenta una retrospectiva de los mayores éxitos en su colección, la mayor de la Bauhaus en todo el mundo.
Desde muebles y pósters hasta losa y cubiertos, objetos exquisitos muestran cómo esta escuela definió el buen diseño.
Para la mayoría de la gente la palabra "Bauhaus" evoca un cierto tipo de arquitectura: una estética austera que engendró miles de torres de apartamentos.

Archivo BauhausDerechos de autor de la imagenSCHÖNING/ULLSTEIN BILD/GETTY
Image captionEl Archivo Bauhaus, el museo de Berlín dedicado a la famosa escuela de diseño, realiza una retrospectiva de los mayores éxitos en su colección.

Pero la Bauhaus fue mucho más que un estilo arquitectónico, representó una nueva forma de pensar.
Y a un siglo de su nacimiento hacia fines de la Primera Guerra Mundial, sus ideas aún establecen el patrón que rige nuestra vida.
La Bauhaus fue fundada en 1919 en la ciudad alemana de Weimar, por un arquitecto prusiano llamado Walter Gropius.
Pero allí no se enseñaba arquitectura. Se trataba de una escuela de arte diferente de cualquier otra.
En lugar de dibujos de desnudos o naturaleza muerta, los estudiantes aprendían a ver el mundo en una forma completamente nueva.

Función práctica

Bauhaus significa literalmente "construir casa", pero Gropius no quería sólo erigir edificios. El arquitecto deseaba crear una nueva clase de artistas que pudiera involucrarse en todas las disciplinas.
Las escuelas de arte tradicionales eran conservadoras y elitistas. Y los colegios técnicos eran convencionales y deprimentes.
No hay una diferencia esencial entre el artista y el artesano"
Walter Gropius
Gropius derribó las barreras entre las bellas artes y el arte aplicado.
"No hay una diferencia esencial entre un artista y un artesano", afirmó el arquitecto prusiano. Sus alumnos aprendían cerámica, impresión, encuadernación y carpintería.
Estudiaban topografía y mercadotecnia. Volvieron a la esencia de sus disciplinas y comenzaron a ver al mundo de una forma diferente.
"Un objeto es definido por su naturaleza," señaló Gropius.
"Para diseñarlo de forma que funcione apropiadamente, debe estudiarse en primer lugar su naturaleza. Y para que satisfaga su propósito a la perfección, debe cumplir su función en forma práctica".
En lugar de sentarse a escuchar lecciones en salones sin vida, los estudiantes de Gropius asistían a talleres. Yaprendían haciendo.
La naturaleza de los objetos
Los resultados fueron extraordinarios. La Bauhaus produjo una diversidad increíble de artefactos, desde lámparas Anglepoise, con sus pantallas de aluminio orientables y sus brazos articulados, hasta juegos de ajedrez. Todos los diseños se distinguían por su funcionalidad y elegancia.
Eran simples y útiles y su simplicidad los hacía bellos. En una época en que primaba la ornamentación, este diseño simplificado era revolucionario.

Walter Gropius, fundador de la Bauhaus, (Foto: Keystone Pictures/Alamy)
Image captionLa Bauhaus fue fundada en 1919 en la ciudad de Weimar por el arquitecto prusiano Walter Gropius (der). (Foto: Keystone Pictures/Alamy)

Era el comienzo de una nueva era en materia de diseño.
"Los talleres Bauhaus son laboratorios en los que prototipos de productos aptos para la producción en masa son desarrollados con esmero y mejorados continuamente", afimó Gropius.
"En estos laboratorios, la Bauhaus entrenará y educará un nuevo tipo de trabajador para la artesanía y la industria, que domine tanto la tecnología como la forma".
No todos compartían su visión.
En las elecciones locales de 1924, los liberales que apoyaban a la Bauhaus fueron derrotados y el nuevo partido conservador cortó los fondos destinados a la escuela.
El 1 de abril de 1925, exactamente seis años luego de su inauguración, la Bauhaus fue obligada a cerrar sus puertas.
Pero para entonces era conocida mucho más allá de Weimar y otra ciudad alemana, Dessau, le ofreció un hogar.
El gobierno local de Dessau comisionó un edificio espectacular diseñado por el mismo Gropius. Y fue en esta sede que la Bauhaus alcanzó su madurez.

Nuevo hogar

En Dessau, Gropius comenzó enseñando arquitectura, pero luego agregó otras disciplinas.
La escuela ofrecía talleres en tejidos, trabajo en metal, fotografía y escenografía.
Gropius dejó la escuela en 1928 para reanudar su carrera de arquitecto, pero la institución se fortaleció aún más bajo el nuevo director, Hannes Meyer.

Lámparas de mesa en el estilo de la Bauhaus (Foto: Oliver Berg/DPA/Alamy)
Image captionUna lámpara de mesa creada por Wilhelm Wagenfeld, un diseño icónico de la Bauhaus, junto a una réplica moderna en el museo Bundeskunsthalle de Alemania. (Foto: Oliver Berg/DPA/Alamy)

El papel Bauhaus para empapelado se transformó en el producto mejor vendido de la escuela. Finalmente, una escuela de arte demostraba de esa forma que podía generar sus propios recursos.
Pero la política alemana estaba cada vez más polarizada y el apoyo a los nazis no paraba de crecer.
En 1930 las autoridades municipales de Dessau despidieron a Meyer por "tendencias comunistas" y en 1931 los nazis ganaron las elecciones locales.
Una de sus promesas de campaña había sido cerrar la Bauhaus, a la que llamaban un centro de "bolchevismo cultural".
Afortunadamente el edificio diseñado por Gropius sobrevivió y aún existe, pero los estudiantes y profesores huyeron.
Muchos de ellos encontraron un nuevo hogar en una vieja fábrica en Berlín y la escuela pasó a estar dirigida por el brillante arquitecto Mies van der Rohe.
Sin embargo, Hitler clausuró la escuela tras su ascenso al poder en 1933.
Una "amenaza" moderna
¿Por qué los nazis se sintieron tan amenazados por la Bauhaus? ¿Por qué temían tanto una escuela de arte que diseñaba muebles futuristas y platos de cocina? El motivo es que la Bauhaus representaba una visión del mundo diametralmente opuesta al nacionalsocialismo.
El nazismo era nostálgio y nacionalista. Bauhaus era cosmopolita y vanguardista. La naturaleza internacional de la escuela dejaba en evidencia cuan absurdas eran las fantasías racistas de Hitler.

Edificio de la escuela Bauhaus en DessauDerechos de autor de la imagenIAIN MASTERTON/GETTY
Image captionLuego de que la sede original de la Bauhaus fuera clausurada la escuela se trasladó a este edificio en Dessau, diseñado por Gropius.

En cierto sentido, la persecución de la Bauhaus por parte de los nazis fue un halago indirecto. Los nazis odiaban a la escuela y todo lo que representaba, pero tenían miedo de su poder.
Irónicamente fue la persecución de la Bauhaus lo que aseguró su superviviencia. Si hubiera sido patrocinada por el Tercer Reich habría perecido junto a él. Pero el exilio hizo que su filosofía se expandiera a nivel mundial.
Gropius y Mies van der Rohe emigraron a Estados Unidos, y a ellos se sumaron otros maestros de la Bauhaus como Josef Albers, Herbert Bayer, Walter Peterhaus y Laszlo Moholy-Nagy.
En 1937, Moholy-Nagy fundó la "Nueva Bauhaus" en Chicago. En 1938, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó a la escuela una exhibición que fue un gran éxito de taquilla.
La escuela Bauhaus tenía asegurada su continuidad.

Influencia

¿Pero qué es exactamente el estilo Bauhaus? Como todos los clásicos en materia de diseño "lo reconoces apenas lo ves".
El lema de Mies van der Rohe, "menos es más", ayuda a comprender el estilo de la escuela.
Otros de sus principios son: la forma debe seguir a la función, cada elemento se reduce a lo esencial, todo debe adecuarse a su propósito.
La mejor prueba de la inmensa influencia de la Bauhaus es cuan familiar es su estilo
El resultado es austero, pero extrañamente agradable a la vista.
Sin embargo, la gran prueba de la inmensa influencia de la Bauhaus es cuan familiar se ha vuelto.
Al recorrer el Archivo Bauhaus en Berlín (un edificio futurista diseñado por Gropius y construido después de su muerte) las exhibiciones parecen contemporáneas. Sólo al leer las descripciones de los objetos uno percibe que se trata de diseños de casi 100 años.
La escuela Bauhaus fue una rebelión radical contra el status quo, pero se ha convertido en la nueva norma.
Con su ubicuidad dejó de ser un movimiento contracorriente y pasó a decorar el día a día de nuestras vidas.

La exhibición "Bauhaus en Movimiento" continúa en el Archivo Bauhaus, Museo de Diseño de Berlín, hasta el 8 de enero de 2018. La muestra "Nueva Bauhaus en Chicago: Fotografía experimental", tiene lugar en el Archivo Bauhaus hasta el 5 de marzo de 2018.

martes, 21 de noviembre de 2017

Mies van der Rohe: padre ilegítimo del minimalismo

Cientos de páginas de internet afirman que el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe fue el creador del minimalismo. ¿Es verdad? (Dom, 29 Oct 2017)
Mies van der Rohe es uno de los arquitectos que bajo la bandera del Movimiento Moderno, se convirtió en uno de sus exponentes más destacados. Elegante en el vestir, dotó a sus edificios de un refinado sentido del orden, de la proporción y de un geometrismo puro, a prueba de adornos.

Mies van der Rohe creó dos frases famosas: “menos es más” y “Dios está en los detalles”, con las que, erróneamente, se le ha atribuido la paternidad del minimalismo, corriente cuyos ecos aún resuenan en obras contemporáneas no sólo arquitectónicas sino en otras áreas del diseño y de las artes en general.

Mies van der Rohe fue continuador de una estética que ya las enseñanzas de la Bauhaus habían formulado -pureza de formas, uso de materiales prefabricados, ausencia de adornos- y que años antes eran las razones estéticas de movimientos como el De Stijl (1917), en Holanda, y del constructivismo ruso.

Minimalismo es un término que se presta a muchas confusiones. Una de las razones por las que Mies van der Rohe no puede ser su padre es porque la palabra se usó por primera vez en 1965, cuando el crítico de arte Richard Wollheim escribió un ensayo en la revista británica Arts para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt, según cuenta Hartmut Obendorf en su libro Minimalism. Designing Simplicity.
Es poco probable que Mies van der Rohe creara sus edificios pensando en que estos eran “minimalistas” simplemente porque ese término no se usó hasta la fecha antes indicada.

(artículo completo)...

http://noticias.arq.com.mx/Detalles/20868.html#.WhS_WNLia02

jueves, 1 de junio de 2017

Minimalismo

El libro Interiores Minimalistas realiza en la introducción el texto a continuación transcrito, el cual sintetiza lo que significa el mininalismo.

Cuando se aborda la expresión arquitectura minimalista se hace necesario referirse la minimal art, movimiento de escultura contemporáneo surgido en los sesenta en Estados Unidos como reacción a una serie de presiones en el ámbito cultural y social específicos, y especialmente como respuesta crítica al escenario formulado por los movimientos artísticos del expresionismo abstracto, el pop y el op art de aquel entonces. Así, la variada producción artística que aglutinaba un cúmulo de investigaciones de signo radical y desafiante nació con la pretensión de conseguir la máxima tensión usando el mínimo de medios, se trata de un arte que genera formas entendibles desde sí mismas y dirigidas directamente a la mente del observador.

En términos generales, el minimalismo se fundamenta en un proceso de reducción de la arquitectura en sus conceptos básicos de espacio, luz y forma, más que en mecanismos de sustracción, negación o ausencia del ornamento o en un canto al puritanismo.


Sin embargo, una lectura superficial de esta idea puede llevar a fijar una apariencia predeterminada y a establecer una serie de convenciones (como es el caso del monocromatismo blanco o el culto al vacío) que simplifican enormemente la complejidad del término minimalism y dan paso a su introducción universal en cualquier contexto cultural. A diferencia del minimal art -con su carga crítica sobre lo preestablecido- , la arquitectura minimalista -carente de teorización o de ideología social- se ofrece como un apéndice o continuación de algunos aspectos de la arquitectura moderna con abstracciones formales extremas y se presenta como herramienta de uso extendido en la práctica arquitectónica actual, dando ejemplos de riguroso y sofisticado nivel en el acabado de los materiales y pulcritud tecnológica, con un intenso diálogo con el lugar donde se ubica, hasta llegar a transformarlo y darle una nueva identidad, y buscando asimismo la unidad a través de la repetición como garante de su calidad.

H. Kliczkowski (2004)


miércoles, 26 de abril de 2017

Las Casas Mas Sencillas

"Las casas mas sencillas" viene a ser el relato escrito y gráfico de las primeras viviendas y construcciones abarcadas por la naturaleza y posteriormente por el hombre.
Autor: Fruto Vivas

Enlaces de descarga:
Aporte de la Profesora Y. Briceño